Paolo Mariani – La memoria stratificata dell’immagine

Nel lavoro di Paolo Mariani si coglie una profonda tensione tra memoria e visione, tra gesto e pensiero. Artista di formazione eclettica con solide basi nella grafica, nella fotografia e persino nella sociologia, Mariani attraversa decenni di esperienza visiva e manuale portando nell’opera d’arte una stratificazione culturale e tecnica che la rende densa, complessa, ma sempre leggibile. La sua poetica si struttura come un diario visivo sedimentato nel tempo: appunti di viaggio, riflessioni intime, impressioni raccolte durante una vita di lavoro e osservazione, riemergono sotto forma di composizioni in cui la materia pittorica e il collage dialogano con armonia e ritmo. La spatola stende acrilici su carte colorate, levigando i contrasti, dando vita a trasparenze che sono anche metafore: nulla è mai completamente svelato, tutto rimanda a qualcos’altro, a un altrove.

La doppia anima dell’opera, iconografica e introspettiva, racconta di luoghi visti e di stati d’animo vissuti, senza mai cedere all’illustrazione. Le architetture, gli spazi, le città sono evocati più che descritti, filtrati attraverso uno sguardo che sa cogliere l’essenza più che la forma. Mariani, con il suo passato nel restauro monumentale e la sua attenzione per il dettaglio tecnico, porta in pittura una cura costruttiva rara: ogni lavoro è costruito come un oggetto unico, dove si riconosce la mano dell’artigiano, ma anche la mente del pensatore. La sua arte è colta ma accessibile, silenziosa ma non muta. È un invito a guardare lentamente, a leggere le immagini come si leggono le pagine di un taccuino di viaggio: con rispetto, con curiosità, con empatia. In un presente frammentato, l’opera di Paolo Mariani si offre come un luogo in cui ritrovare coerenza, profondità e bellezza.

Paolo Mariani, l’eco invisibile del paesaggio

Sono passati cento anni esatti da quando il pittore e aviatore futurista Fedele Azari creava quella che viene riconosciuta come la prima opera di aeropittura. Il titolo era Prospettiva di volo e la composizione anticipava quelle che si riveleranno poi le caratteristiche di base dell’aeropittura, con prospettive mobili e policentriche, vedute simultanee e sovrapposte, con campi geometrici che si schiacciano e si aprono come ventagli, città e campagne ridotte a trapezi, rombi, losanghe colorate che si inseguono nello spazio. È, nella prospettiva tipicamente futurista, la trasposizione dell’occhio del pilota che si fa esso stesso pennello: la terra vista dall’alto si frantuma in piani diagonali, tetti e strade diventano schemi cromatici, il paesaggio non è più stabile ma una continua rotazione di frammenti che si attraggono e si respingono come forze in tensione. Non più il quadro statico e contemplativo della pittura classica quattro o cinquecentesca, dunque, né il paesaggio romantico dei pittori del primo Ottocento, ma una nuova realtà sensibile e visionaria: prospettive mobili e policentriche, vedute simultanee e sovrapposte, campi geometrici che si aprono e si richiudono come ventagli cromatici, città e campagne ridotte a trapezi e losanghe che si inseguono nello spazio, in un’armonia fatale e prodigiosa generata dal volo, ben sintetizzata, in perfetto stile parolibero, da Filippo Tommaso Marinetti in una poesia del 1941, che evocava “quadri complessi plastici architetture interne polimateriche e ceramiche al mare strapotente ebbro e sgargiante di geometrie coni triangoli e scalpitanti cavalcate di schiume” e “le convincenti forme plastiche che esprimono i fruscii i rumori i fragori delle acque e dei venti all’assalto degli alti strapiombi sopra le risacche di ghiaia frenetizzate”.

Non più la rappresentazione descrittiva di un paesaggio, ma forme essenziali che, proprio perché trasfigurate, finiscono col restituire, di quel paesaggio, un’impressione più intensa e duratura.
Il paesaggio infatti non è mai riportato, nei quadri Mariani, in maniera pedissequa, né latamente trasfigurata: vi è, invece, una sorta di eco trasfigurata, una memoria che si deposita lentamente e si stratifica come accade con le velature di colore, generando non l’immagine descrittiva ma la sua impronta interiore, non il luogo riconoscibile ma il ritmo che lo attraversa e che resta inciso nella coscienza; e in questa traslazione, che è già atto poetico prima ancora che pittorico, si riconosce, per consonanza e per necessità, quella stessa tensione che Kandinsky racconta nelle sue Rückblicke, quando ricorda dello “spettacolo inatteso” che lo colse un giorno al crepuscolo, a Monaco, al rientro nello studio, “con la scatola dei colori dopo aver dipinto uno schizzo, ancora tutto immerso nel mio sogno”, e l’apparizione improvvisa di “un quadro di straordinaria bellezza, che brillava di un raggio interiore”: “Restai interdetto, poi mi accostai a questo quadro rebus in cui non vedevo che forme e colori e il cui contenuto mi era incomprensibile”, giacché – scoprirà solo dopo un momento – “era un mio quadro appeso erroneamente di lato”.

La fonte primaria del suo lavoro è sempre la sua agenda – compagna inseparabile dei suoi viaggi –, che, durante i suoi spostamenti di lavoro o nella sua vita privata, raccoglie il ricordo e la testimonianza di luoghi, date, impressioni fugaci rimaste impresse nella memoria dell’artista. Non è solo un taccuino di appunti, ma una vera mappa esistenziale, che trasforma l’esperienza vissuta in traccia pittorica. E, di conseguenza, anche titoli delle opere non sono mai semplici etichette, ma veri e propri indizi: Versilia – Agenda 2000, Radura con ranuncoli a Malo – Agenda 1991, Il verde Adige a Castelvecchio – Agenda 1993. Giorni, luoghi, circostanze precise che affiorano come coordinate personali, ancorando ogni tela a un frammento di vissuto che, nel processo pittorico, si allarga fino a diventare universale.
In questa dialettica nasce il doppio registro che caratterizza la sua opera: da un lato la traccia iconografica, che lega il quadro a un paesaggio riconoscibile, almeno nel titolo; dall’altro la dimensione introspettiva, che, di fatto, dissolve quella traccia in geometrie, in colori, in ritmi. Così un tramonto può essere attraversato da un segno scuro (Lazise, tramonto con telefonata – Agenda 2002), evocando forse un’improvvisa interruzione di un momento sospeso; un arenile può ridursi a bande di giallo e nero (La spiaggia di Boccasette – Agenda 1991), richiamando la forza cieca degli elementi naturali; un prato può risalire in slanci verticali e in segni rossi (Radura con ranuncoli a Malo – Agenda 1991), come vitalità che si rigenera; un fiume può scorrere in stratificazioni di verdi e blu (Il verde Adige a Castelvecchio – Agenda 1993), più vicino al ricordo che alla veduta diretta.

Mariani costruisce i quadri attraverso collage di carte pigmentate e colorate, ritagli che si incastrano sulla tela e che vengono poi attraversati da campiture di acrilico stese con la spatola. Non è un colore accumulato ma levigato, che smussa i contrasti e lascia emergere stratificazioni, vibrazioni sottili, trasparenze. Una grammatica visiva che richiama i papiers découpés di Matisse, ma che se ne distacca per approdo e spirito: là dove Matisse celebrava l’esuberanza vitale della forma pura, Mariani sospende infatti il gesto, lo porta in una dimensione meditativa, poetica, in cui la materia diventa atmosfera. Le carte, più che sagome nette, sono brandelli, lacerti che si intrecciano come tessuti, costruendo paesaggi interiori più che vedute..

Ed è sempre in questa chiave, che si dipana tra tempo, memoria e ricerca di un’armonia che vada al di là delle forme e delle apparenze del dato sensibile, che si può leggere Primo lancio a Campoformido – Agenda 1984. Il titolo evoca un’esperienza estrema, e la composizione, con la sua verticalità scandita e le aperture diagonali, sembra alludere a un lancio col paracadute. Qui la memoria del volo si fa più evidente, e qualcosa dell’antica aeropittura sembra riaffiorare, come riflesso lontano di quel linguaggio che cento anni fa trasformò la visione del paesaggio nella pittura moderna.
Così si compie, tra memoria e sogno, rigore e poesia, la traiettoria visiva di Paolo Mariani: ultimo, forse, degli aeropittori, e insieme primo dei paesaggisti di una interiorità nuova, dove il volo si fa ricordo, e il paesaggio non è più veduta ma impronta, vibrazione, eco invisibile che continua a risuonare dentro di noi.

Vittorio Sgarbi
Roma, 1 settembre 2025.

Ho conosciuto Paolo nel suo stand alla Fiera di ArtePadova 2024. Mi ha colpito la personale visione intellettiva, l’immensa professionalità lavorativa, la sua pittura aero compositiva, la comune passione per il volo. Le opere dell’artista cercano nel colore le vibranti sonorità di lontane memorie che diventano testimonianza di una vita votata alla bellezza.
L’artista coglie nelle composizioni l’immensità del sogno, elaborato dai riflessi dei ricordi, dai soffi d’aria che vorticano impetuosi nel primo lancio col paracadute. Nell’immensità dell’azzurro il rombo del motore scuote le bianchissime nuvole. Ecco il salto nel vuoto, il successivo silenzio, ora leggero e controllato, ora libero di ammirare meravigliosi ritagli di territorio e cielo nelle sequenze simultanee di ardore e paradiso. Ecco la terra che si avvicina, i bianchi ombrelli dei paracadutisti, la riconquista della propria ombra sul verdissimo campo volo di Campoformido. La materia acquista una nuova vita, i colori si fanno corposi e iridescenti scomponendo i fili fluidi del vento in un’energia di luce sconvolgente che si dirama sopra mille terreni erbosi generando magicamente una vertiginosa e trasfigurata idealità percettiva.
Anche l’acqua per Paolo Mariani diviene fluido essenziale, entità viva in movimento che scorre nella continuità dei tempi. L’Adige, dai riflessi azzurro smeraldo, assume un colore ancora più intenso se navigato con ogni genere di imbarcazioni o ammirato dalle antiche vestigia veronesi delle rosse merlature di Castelvecchio. Rimembranze poetiche e scolastiche parlano di quel luogo incantato che ha conosciuto la storia di Re Teodorico, in sella a un impetuoso destriero, intento di catturare una cerva selvaggia, misteriosamente apparsa, che lo trascinerà in un incredibile viaggio nel cratere di Vulcano. Tra luce, forma e spazio i ricordi si sovrappongono piacevolmente generando giustapposizioni cromatiche che identificano un luogo-ricordo.

Mariani è un artista profondamente immerso nella vita. Egli stesso ha vissuto varie esistenze: studente, imprenditore, pilota, uomo di marketing e pubblicità, inventore, sociologo, mecenate, designer. La realtà che gli è data lo attrae e lui vi si tuffa con tutto il suo carico di umanità.
Si fa calamitare dal fascino di scoprire il significato del reale, quanto nell’avventura di maneggiare la materia, fino al punto di creare nuovi materiali.

Per anni l’attività principale di questo artista poliedrico è stata il restauro conservativo di prestigiosi complessi architettonici minacciati dallo scorrere dei secoli. Per fare rivivere il passato e regalare a esso un futuro, Mariani ha brevettato tecnologie e attrezzature da lui stesso messe a punto, impiegate in edifici e monumenti di altissimo valore storico e artistico. Con i primi lavori mise in sicurezza gli scavi archeologici nella chiesa veronese di San Procolo, a due passi da San Zeno, assieme all’architetto Libero Cecchini.
Il rapporto umano e professionale con il progettista veronese sarà fondamentale per la formazione di Mariani, al pari della collaborazione con Tobia Scarpa, architetto e designer veneziano i cui oggetti sono esposti in alcuni tra i più importanti musei al mondo. Dopo San Procolo, fu la volta degli Scavi scaligeri con l’archeologo britannico Peter Hudson.
Da lì il raggio di azione di Mariani negli interventi antisismici e nei risanamenti architettonici prese a estendersi in Italia come all’estero.
La Galleria degli Uffizi e le Scuderie medicee a Firenze. Il Teatro Olimpico a Vicenza. Il Palazzo del Quirinale a Roma. La Cattedrale di San Ciriaco ad Ancona. La chiesa degli Eremitani, con gli ineguagliabili affreschi di Giotto, a Padova. Le Torri medioevali a San Gimignano. Il Palazzo Papadopoli a Venezia con i suoi dipinti del Tiepolo. Ma anche il Palacio Real de Aranjuez a Madrid e il Museo militare nel quartiere di Santa Apolónia a Lisbona.
Alla sua Verona, fuori dalle cui mura secondo Shakespeare non c’è mondo, Mariani ha regalato il restauro completo del balcone di Giulietta, la prima attrazione turistica della città scaligera insieme con l’Arena. Accanto al consolidamento, ne ha ricostruito storia e iconografia in un volume poi tradotto anche in inglese e tedesco. Tutto a proprie spese.

Passato e presente, i due poli che hanno dato energia all’intera sua vita artistica, si sono fusi anche nell’attività professionale.
Ovunque andasse, Mariani si è sempre fatto accompagnare da un’amica inseparabile: un’agenda. Un taccuino di viaggio in cui appuntava pensieri improvvisi, impressioni fugaci, luoghi del cuore, memorie insondabili che non dovevano polverizzarsi con lo scorrere del tempo. Sono pagine su cui, giorno dopo giorno, si depositavano suggestioni, schizzi, appunti di emozioni.
Un archivio di idee che custodisce e tratteggia il percorso artistico. Così, nel momento in cui stava maturando la scelta di ridurre l’attività imprenditoriale, Mariani ha cominciato a dare libera espressività al talento artistico, mettendo a punto una particolarissima tecnica che egli aveva affinato nel corso degli anni, nei brandelli di tregua strappati al lavoro. I brandelli di tempo evolvono in frammenti iconici, scarni ed essenziali, che a loro volta si trasformano in lunghi ritagli di carte colorate applicate sulla tela, alle quali si sovrappongono colori acrilici stesi quasi sempre con la spatola.
È un insieme di materiali diversi che creano un amalgama armonico e suggestivo. È questo impasto a dare forma al percorso creativo, e questa elaborazione artistica prende corpo senza mai tagliare le radici che l’hanno ispirata. Al punto che, nelle composizioni di Mariani, la firma è accompagnata al riferimento preciso al giorno e al luogo che sono stati la scaturigine dell’opera. Anzi, la circostanza stessa diventa il titolo del quadro. “Agenda 1998, giovedì a Trieste, Paolo Mariani 2022”. “Agenda 1998, Paolo Mariani 2019, il forno con pasticceria, Reggio Emilia”. “Paolo Mariani 2022, Agenda 2000, Versilia”.
Il legame tra tempo, spazio, ispirazione, memoria, è inscindibile; è un rapporto capace di dare un nome alle cose. E chi si sofferma davanti alla produzione di questo artista deve in qualche modo immedesimarsi in ciò che lui ha vissuto, ha sperimentato e immaginato, e forse anche sofferto.

Sulla tela, tra le infinite sfumature gialle della battigia, si stagliano strisce nere, irregolari, ora sottili, ora massicce, che richiamano la forza irrefrenabile della natura. I tronchi arenatisi sulla riva, la potenza delle mareggiate, il cordone delle dune, la vegetazione che cresce incontaminata nelle lingue di terreno risparmiate dalla sabbia e dalla salsedine. Nel turbine degli elementi, si affacciano tre striscioline rosse, e chissà che nell’immaginazione dell’artista non siano rimasti piantati i grossi tronchi conficcati nel fondale per difendere la riva, tra gli scanni che si allungano nel mare.
Sono l’unico elemento umano in questo angolo disabitato, le sole vestigia capaci di resistere alla natura selvaggia.

L’opera di Mariani è un dialogo ininterrotto tra il passato e il presente, ma anche un confronto introspettivo tra sé e il mondo. Che si trovi in una grande città oppure in un litorale solitario, nei suoi paesaggi l’artista comunica la passione di trovarsi in un luogo affascinante e omaggia la bellezza di ciò che lo circonda e di cui lui, l’artista stesso, non è un osservatore esterno e distaccato ma un soggetto partecipe.
Dalle sue tele balza allo sguardo una vita che palpita, che erompe dalla materia e si fa presente, fuori dal tempo, qui e ora.
È un momento meditativo, una pausa di riflessione priva di affanni e senza nostalgia, e al contempo un modo nuovo di rivedere ciò che fu attraverso l’estro, la fantasia, l’esperienza. Una ri-creazione.